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Música Clásica y ópera de Classissima

Claudio Abbado

sábado 3 de diciembre de 2016


Musica Antigua en Chile

Hoy

Academia ArteVida La Serena invita a Curso de Introducción a la Práctica de la Música Antigua

Musica Antigua en ChileCurso de Introducción a la Práctica de la Música Antigua Profesor Nelson Contreras EscuderoViolagambista y TenorPerforming Arts Degree - Alta Formazione Artistica Musicale (AFAM), Civica Scuola di Musica Claudio Abbado de Milán. ¿Qué es la Música Antigua?Historia, Filosofía y aspectos prácticos fundamentales para conocerla, entenderla e interpretarla con conocimiento de causa y autonomía. Especialmente dirigido a instrumentistas, cantantes y aficionados en general. La Teoría:“La música es el tratamiento humano de los sonidos” (Jean Michael Jarre)Antecedentes históricos culturales y sociales – Filosofía de la Música desde los griegos hasta el clasisismo (y mas). La Práctica:“La música no es otra cosa que la FAVELLA, el RITHMO y el SUONO, en ese orden y jamás al contrario” Giulio Caccini (Le Nuove Musiche, 1602) I - FAVELLA: Ética ,pelética, pelinpin pética, pelada peluda, pelin pin puda (Popular) El lenguaje de la música antigua - Silabación - Articulación - Cantabile y Suonabile. II - RITHMO: Todo es Cueca (Roberto Parra) Notación blanca y negra - Tactus - Cifras indicadoras de compás Moderadores de compás - Proporciones rítmicas - Pies métricos - la Danza III - SUONO: Mi Fa Tota Musica Est (J.S. Bach) Una cuestión de armónicos - Solmisación - Temperamentos y afinación - Modos Griegos - Tonos Eclesiásticos - Orquestación vocal e instrumental Academia ArteVidaHuanhualí 790, La Serena02 al 05 de Enero 2017 (Inscripción hasta el 26/12/2016)Horario de 10.00 – 13.00 y de 15.00 – 19.00/ Valor $15.000.-Mínimo 10 inscritos para su realización.Concierto final a curso concluido.Solicitar ficha de inscripción a: artevidalaserena@gmail.com Profesor: Nelson Contreras Escudero Violagambista y cantante chileno radicado en Milán (Italia) de amplia trayectoria nacional e internacional en el ámbito de la música medieval, renacentista y barroca. En Latinoamérica ha concentrado su actividad en Chile, participando en las temporadas y festivales dedicados a la música antigua con los ensembles de mayor notoriedad como son Syntagma Musicum (Usach), Estudio MusicAntigua (Puc),Les Carillons (UCH), Capilla de Nueva Extremadura (Upla) además de otros, entre los cuales destaca su participación en las Semanas Musicales de Frutillar junto a Voce Arcana y en el Festival de Chiquitos en Bolivia junto a Syntagma Musicum. En Europa ha concentrado su actividad concertista y docente principalmente en Italia, donde ha participado en los festivales y temporadas de conciertos más relevantes, entre los cuales destacan el Festival Montesardo del Conservatorio de Lecce, Festival Grandezze e Meraviglie de Modena y varias temporadas de conciertos con el Arion Ensemble de Pavia y la Orquesta Barroca de la Civica Scuola Claudio Abbado de Milán, entre otros. Ha publicado una colección de madrigales inéditos del compositor italiano Diego Personé junto al maestro Diego Fratelli. Ha tomado contacto con los máximos exponentes de la viola da gamba a nivel mundial participando en las masterclass de talentos como Rodney Prada, Vittorio Ghielmi, Jordi Savall, Wieland Kuijken y Kees Boeke entre otros. Actualmente dirige el Ensemble Aestus Harmonicus de Milán, con el cual ha realizado conciertos en Italia, España y Polonia principalmente. Profesor colaborador y coordinación: Tatiana Espinoza Lamatta. Profesora de Educación Musical y Licenciada en Educación, titulada de la Universidad de La Serena y diplomada en Gestión Cultural en la Universidad de Chile. Inicia sus estudios de violoncello a los 10 años en la Escuela Experimental de Música “Jorge Peña Hen” de La Serena. Durante el año 2012 fue alumna del Conservatorio Superior de Música "Manuel de Falla" en Buenos Aires, Argentina, estudiando la Tecnicatura Superior en Música Antigua mención Violoncello Barroco. Durante el 2014 y 2015 fue alumna del destacado violoncellista Gaetano Nasillo, estudiando la carrera de Violoncello barroco y bajo continuo, en el Conservatorio “Guido Cantelli”, en Novara, Italia. El año 2008 comienza su especialización en música antigua integrando el Ensamble Vocal Instrumental “Cantvs Firmvs” dependiente de la ULS, dedicado alrepertorio barroco latinoamericano. Luego en el año 2010 conforma el Ensamble de Música Antigua EMAULS, que el 2013 se transforma en ConsortChile Música Antigua. También es directora musical del EnsambleVocal Instrumental “Villanueva” de La Serena, con los que participó en el XI Festival Internacional de música antigua “Misiones de Chiquitos” en abril del presente año. Destaca la participación en la Orquesta Barroca Nuevo Mundo, perteneciente al teatro Regional de Rancagua, realizando óperas como “Don Giovanni” de Mozart y “Las Indias Galantes de Rameau y “Orfeo” de Monteverdi. Ha tomado clases con diversos y reconocidos intérpretes de la música antigua, entre ellos destacan: Carolina Aliaga, Rodolfo Richter, Josetxu Obregón, María Jesús Olóndriz y GaetanoNasillo). También ha participado en festivales internacionales de música Antigua en Bolivia, Brasil e Italia. En La Serena ha gestionado talleres, masterclass y conciertos de destacados intérpretes y ensambles de música antigua como “La Ritirata” (España), Nora Miranda, Eduardo Figueroa, Raúl Orellana, Ramiro Albino entre otros. Además realiza desde el año2015 un taller de interpretación en música antigua en la Academia ArteVida La Serena.

El Blog de Atticus

Ayer

LES ARTS ANUNCIA LA CANCELACIÓN DE PIROZZI

Esta mañana, el Intendente Davide Livermore, acompañado por el director musical Roberto Abbado, ha presentado oficialmente en rueda de prensa el inicio oficial de la temporada operística 2016-2017 en el Palau de les Arts, con el estreno el próximo día 10 de diciembre de la ópera de Giuseppe Verdi I Vespri siciliani. Uno de los grandes atractivos que presentaba esta apertura de la temporada valenciana era la presencia de la soprano italiana Anna Pirozzi en el complicado papel de Elena, tras el buen sabor de boca que dejó en 2015 con su Abigaille en Nabucco. Pirozzi es sin duda una de las cantantes que más garantías ofrece actualmente para defender este rol con solvencia. Pues bien, esta mañana ya se ha dignado el Intendente de Les Arts hacer público, al fin, que Pirozziha cancelado su participación en todas las funciones que tenía previstas en Valencia, aduciéndose como causa “prescripción médica ante su estado de gestación”. Las funciones de los días 10, 16 y 18 de diciembre serán cantadas por la ucraniana Sofia Soloviy, mientras que los días 13 y 21 de diciembre lo hará Maribel Ortega, a quien ya pudimos escuchar en la reciente El Gato Montés. No voy a entrar a valorar a las sustitutas antes de verlas en escena, aunque parece evidente que juegan en otra división. Hace más de dos semanas que los rumores ya eran algo más que rumores en todos los corrillos y yo mismo decidí hace ocho días hacer público en Facebook lo que se comentaba, que Pirozzi cancelaba y Sofia Soloviy sería la sustituta. Durante todo este tiempo la dirección de Les Arts ha mantenido silencio y hasta esta misma mañana Pirozzi seguía anunciada en la web del teatro valenciano, en lo que considero una nueva falta de respeto al espectador, sobre todo cuando hace ya varios días que Soloviy se encuentra en Les Arts ensayando y Pirozzi no ha llegado a pisar Valencia. No voy a poner en duda que la causa alegada sea cierta, aunque algunos sí lo hagan. Me da igual el motivo. Esto puede ocurrir en cualquier teatro. Lo que no es de recibo es que se oculte la información al público hasta el último momento. No sé si así habrán conseguido vender algunas localidades más estas dos últimas semanas, pero lo que sí puedo garantizar es que han conseguido que el espectador, además de frustrado por la ausencia de la cantante, lo que es normal, hoy se sienta engañado y menospreciado por el teatro, lo cual es intolerable. ¿De verdad es tan difícil hacer alguna vez las cosas bien del todo, señor Livermore?




Una butaca en el paraíso

24 de octubre

Mira, o Norma

Norma de Bellini en el Teatro Real de Madrid. Primera función del segundo reparto, o sea, el re-estreno.Allá que vamos todos con ganas de disfrutar el viernes por la noche, con el teatro hasta arriba de gente expectante, porque el título es emblemático.Como yo cambié mi función del Otello es también mi rentrée, o sea que saludos, abrazos y besos por doquier. Empieza la ópera y... oh, esa obertura, pero qué bríos, ¿no? ¡¡¡Que esto es belcanto puro y duro, oiga!!! Sale el coro y lo mismo, mucho griterío. Llega Pollione y... ¡eh! ¡He dicho Pollione, no Turiddu! Tuvo que aparecer Norma para calmar los ánimos, poner las cosas en su sitio y asentar la representación. Porque el primer acto fue muy tenso, muy nervioso, muy poco belcantista. Menos mal que salió Angela Meade a poner orden. ¿Reservona, según decían los más críticos? Contenida, diría yo. Y nos ofreció un trío final de acto de agárrate a la barra que te caes. Muy buena. Porque el segundo acto ya fue otro cantar. Exactamente eso, cantar. La orquesta se suavizó y se metió en situación. A Roberto Aronica se le pasaron los nervios y encajó en el estilo. Y la señora Meade se soltó las rastas de la melena y nos ofreció una Norma rotundísima. Potente, valiente arriba y, lo mejor, con cuerpo abajo. Es verdad que el timbre no es de los más bonitos y que le faltó expresividad, pero estuvo soberbia. También esos ciento y pico kilos de soprano subiendo y bajando escaleras no es para esperar muchas florituras expresivas. ¿Resultado? Pues una ópera irregular al principio, que fue a más y acabó estupenda. ¿El problema? Que es un papel tan exigente que todas las referencias discográficas son de sopranos no-va-más, y claro cualquier representación en directo palidece ante una Sutherland, Sills, Caballé o Callas. Pero señores, al teatro hay que ir a ver, no a comparar. No me hagan como el señor de atrás quien, aparte de pasarse la función entera tosiendo y carraspeando, cuando terminó el Casta Diva soltó un "Prefiero la Callas" en el clásico volumen de voz suficiente como para que todos los que estemos a su alrededor nos diéramos cuenta de lo imbécilmente entedido que era. Vamos, que si se pulen un poco con el rodaje de las funciones, este segundo reparto de la Norma del Real puede dar muchas satisfacciones. Meade como Norma, buenísima. Aronica un Pollione muy descontrolado al principio que se fue asentando. Veronica Simeoni fue una buena Adalgisa, pero la voz se le iba atrás cuando subía, un poco irregular. Orfila correcto Oroveso, eché en falta más poderío. Buena Maria Miró como Clotilde y estupendo Antonio Lozano en el breve papel de Flavio, qué voz más bonita y sonora. En conjunto, muy buenos solistas. ¿Que se les pueden sacar fallos? Pues sí, pero sacan adelante la obra con solvencia. Roberto Abbado tiene que decidirse si quiere hacer un Puccini, un Verdi o un Bellini. Se va aclarando en el segundo acto, dejando un poco el chimpón a un lado. Y el coro lo mismo. Ahora toca el palo a la regie.Ay, señor, señor. Empieza bien: unas columnas hacen de bosque, ayudadas por proyecciones de árboles sobre el telón gasa. Trajes de época (aprox.) y luego una estructura gigantesca central que es un árbol (o el coxis fosilizado de un brontosaurio) y que sirve tanto de altar como de casa de Norma o pira funeraria, porque se hace omnipresente. Vale, lo aceptamos. Pero se queda un poco soso en el centro del escenario tan grande del Real. Y el colmo viene con unas proyecciones ultracursis de títulos de crédito de telenovela barata con imágenes de los cantantes: Pollione besándose con Adalgisa, Pollione luchando, Norma sufirendo, los niños durmiendo, una especie de escudo... una horterada en toda regla. Y con todo, los movimientos de los cantantes siguen la escuela clásica y rancia del "salgo, me paro, canto, me voy". Afortunadamente con esta ópera (y con tantísimas) es fácil obviar la puesta en escena. Ya se sabe que yo soy de fácil contentar pero, sinceramente, creo que merece la pena acercarse a esta Norma y, por lo que me han dicho (y van dos) mejor el segundo reparto que el primero con Agresta y Kunde.  Vincenzo BelliniNormaAngela Meade, Roberto Aronica, Veronica Simeoni, Simón Orfila, Maria Miró, Antonio Lozano.Roberto Abbado, Davide Livermore.Teatro Real. Madrid, viernes 21 de octubre de 2016. Página web del Teatro RealPrograma de ManoCríticas del estreno en prensaSeñores que saben mucho

Ya nos queda un día menos

16 de octubre

Haitink vuelve a Berlín con Schubert y La canción de la Tierra

Aunque estoy últimamente fatal de tiempo, no he podido resistirme a ver en la Digital Concert Hall el concierto del pasado 8 de octubre: enésima visita a la Berliner Philharmoniker del gran Bernard Haitink, quien a sus ochenta y siete añitos, desdichadamente fallecidos Harnoncourt y Marriner, es uno de los directores en activo más veteranos del planeta. Y encima con un programa precioso, Inacabada de Schubert y La Canción de la Tierra, esta última en su versión con barítono, lo que añade aún más interés al asunto. Lo cierto es que a la postre los resultados son más o menos, con alguna importante salvedad a la que haré más tarde referencia, los que se esperaban de una batuta a la que tantísimas veces hemos escuchado en disco (en mi caso añado una en directo, en el Festival de Granada). En la sinfonía de Schubert el maestro holandés hace honor a su fama y, efectivamente, ofrece una interpretación sobria y rigurosa, poco o nada personal, en absoluto creativa, a la que le falta ese punto de emotividad y aliento poético que distingue a las grandes lecturas, pero que se encuentra construida con una claridad y depuración sonora insuperables, avanza con un pulso sostenido sin desmayo, está fraseada con admirable cantabilidad y, sobre todo, posee ese sentido dramático imprescindible en los dos movimientos de la partitura. Únicamente en el célebre tema lírico del Allegro moderato el maestro parece ceder y hace sonar a los chelos, increíblemente bellos desde el punto de vista tímbrico, con un muy alto grado de dulzura, e incluso con más ingravidez de la cuenta: al adusto y distanciado Haitink parece costarle trabajo disimular que él también es un anciano director, con todo lo que eso significa. La orquesta –ni que decir tiene– está gloriosa, resultando impagables las intervenciones del clarinete de Andreas Ottensamer y el oboe de Albrecht Mayer, tan fundamentales en esta partitura. La genial partitura de Mahler recibe una interpretación que se encuentra en el extremo opuesto de la que con la misma orquesta ofreció Claudio Abbado cinco años atrás. Si aquella era fresca, juvenil, impulsiva, riquísima en el colorido y antes espontánea que reflexiva, esta resulta grave, ajena al arrebato emocional, considerablemente distanciada, incluso un punto fría. El tempo es lento, analítico, pero de pulso muy firme. Su colorido es ocre y sus texturas densas, lo que no impide que la claridad sea extraordinaria, como lo es también la ejecución: hay que remontarse al mítico registro de Otto Klemperer para encontrar algo similar en este sentido. El trazo resulta refinado a más no poder, pero no hay ni la más mínima concesión al preciosismo sonoro: la severidad del maestro se impone. Las intervenciones de los solistas alcanzan una musicalidad extraordinaria, y todos los primeros atriles ofrecen una labor soberbia. En este sentido, no se puede dejar de señalar la portentosa actuación de Emmanuel Pahud en Der Abschied, obviamente el movimiento en el que, dado su concepto de la obra, la batuta alcanza los más satisfactorios resultados expresivos. En el resto, la verdad, resulta más contenido de la cuenta. Demasiado Haitink, para entendernos, lo que no impide que su trabajo nos termine fascinando por las razones antedichas. Las voces tienen sus más y sus menos. El tenor Christian Elsner se beneficia de un amplio fiato, pero la emisión no siempre resulta grata y termina teniendo problemas dadas las terroríficas exigencias de su parte. Mucho mejor Christian Gerhaher: aunque no se encuentra del todo cómodo en la franja más grave de su tesitura, canta con una voz de increíble belleza y haciendo gala de una enorme sensibilidad, aunque no deje de chocar que su visión sea mucho más lírica, humanista y efusiva, por momentos diríase que consoladora, que la apreciablemente desolada por la que apuesta la batuta. En cualquier caso, una interpretación a conocer.



Ya nos queda un día menos

6 de octubre

Bartók por Dorati: sensualidad antes que expresionismo

PD: Esta entrada la publiqué hace días, pero ayer la borré por error. Buceando entre los borradores he podido recuperarla. Mil perdones a los lectores que habían dejado comentarios en su primera aparición. _____________________________________ Gracias a una tienda de segunda mano he conseguido por un precio de risa este disco registrado por Decca en 1983 en el que el maestro de Budapest Antal Dorati se pone al frente de la Sinfónica de Detroit para interpretar dos obras de quien fuera su profesor de piano: el mismísimo Bela Bartók. Esto en principio supone un rigor absoluto en el estilo, pero tras la audición el asunto no me ha quedado tan claro: no he encontrado aquí con tanta claridad como con otros directores –pienso en un Reiner o un Solti– ese sentido rítmico tan peculiar que subraya los vínculos de este universo sonoro con el folclore magiar, ni tampoco esa incisividad tímbrica ni esa garra dramática a la que estamos acostumbrados, sino más bien un muy notable interés por la sensualidad y por el misterio que dicen cosas nuevas sobre este repertorio. Eso sí, funcionando mucho mejor en la primera de las obras incluidas en el compacto que en la segunda. Efectivamente, la versión completa del ballet El mandarín maravilloso recibe una interpretación de primer nivel, a la altura de las de Boulez, Dohnanyi, Abbado y Chailly. O casi: he comparado con la citada de Abbado, registrada tan solo un año atrás por DG, y lo cierto es que Dorati no llega a conseguir la extrema garra dramática y la trepidante inmediatez expresiva de su colega; en contrapartida, ofrece quizá un sentido tímbrico más sensual que pone de relieve el parentesco de esta obra con el impresionismo, y alcanza quizá unos clímax más atmosféricos, densos y opresivos. Lástima que flojee un poco el final, a partir de la sección coral: la concentración y el misterio podían ser aún mayores. La interpretación de la Música para cuerdas, percusión y celesta sobresale de nuevo por un muy desarrollado sentido atmosférico, quizá más sensual que opresivo aunque no por ello menos interesante; también sabe ser refinada en las texturas y mostrarse atenta al tejido contrapuntístico. El problema es que aquí Dorati, el contrario que en el Mandarín, no solo se desentiende en exceso de las aristas tímbricas y expresivas de la partitura, sino que además no parece dominar algo tan decisivo en esta página como es el manejo de las tensiones. Así ocurre en un primer movimiento donde no se notan el “ascenso” y el “descenso” en torno al gran clímax central, y también en un movimiento conclusivo falto de empuje rítmico, de fuelle y de garra. Los centrales están mucho mejor, aunque el segundo resulte un poco laxo y en el tercero se puedan preferir enfoques más inquietantes. Disco grande a medias, en definitiva.

Claudio Abbado

Claudio Abbado (Junio de 1933) es un director de orquesta italiano considerado uno de los grandes del podio orquestal y lírico de la postguerra. Junto a Riccardo Muti, visto como uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata.



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